Técnicas artísticas
En este apartado voy a tratar de clasificar el arte. Quiero concretar que el arte al que me refiero continuamente es el arte plástico y visual, sin referirme a otros temas tales como la música, la literatura o el cine. Aunque bien es cierto que a veces el arte plástico toma características "más propias" de otros campos de las artes, como puede ser la música que se introduce en un vídeo-arte.
Como ocurre con la mayoría de los aspectos de la vida, existen múltiples clasificaciones del arte dependiendo a qué criterio atiendas. Para esta clasificación, yo voy a atender a su formato de expresión, distinguiendo:
Como ocurre con la mayoría de los aspectos de la vida, existen múltiples clasificaciones del arte dependiendo a qué criterio atiendas. Para esta clasificación, yo voy a atender a su formato de expresión, distinguiendo:
- pintura
- esculura
- fotografía
- performance
- happening
- video arte
La pintura es probablemente lo que más fácil relacionemos con el Arte, y es que ha estado muy presente a lo largo de la Historia del arte.
Antes de la aparición de la fotografía, la pintura era la forma que se tenía de plasmar la realidad mediante imágenes. Por ello encontramos que muchos cuadros tienen el objetivo de describir paisajes, acontecimiéntos o personajes importantes en su época. La pintura utilizada como forma de plasmar imágenes reales tridimensionales de forma bidimensional. Es decir, los cuadros eran ventanas al exterior.
Antes de la aparición de la fotografía, la pintura era la forma que se tenía de plasmar la realidad mediante imágenes. Por ello encontramos que muchos cuadros tienen el objetivo de describir paisajes, acontecimiéntos o personajes importantes en su época. La pintura utilizada como forma de plasmar imágenes reales tridimensionales de forma bidimensional. Es decir, los cuadros eran ventanas al exterior.
La pintura ha sido muy utilizada para comunicar y defender ideas, y contar historia, o una historia. Un ejemplo muy ilustrativo de esto es la pintura religiosa románica. La Iglesia durante muchos años ha utilizado la pintura y la escultura como forma de ilustrar lo que el sacerdote predicaba en su sermón, durante épocas en las que la mayoría de la población era analfabeta.
Es decir, ponían las imágenes y el arte al servicio de la religión como forma de adoctrinamiento, como forma de ilustrar determinada realidad.
Durante la Modernidad se trató renovar la pintura, despojándola de todo lo que no le era propio.
Esto supuso una ruptura total con la idea anterior, ya que trataban de evitar que la pintura fuera utilizada con fines no pictóricos, tales como narrar historias o documentar acontecimientos. Por ello se oponían a movimientos como el Historicismo.
Los cuadros dejaron de ser ventanas al exterior para convertirse en superficies bidimensionales, donde se aplicaban formas y colores tratando de buscar la pureza y la libertad formal.
Fases para la realización de una pintura:
En este punto me gustaría decir que creo que cada artista, cada persona, pasa por un proceso diferente para crear una pintura. Los pasos que voy a expresar a continuación son los "oficiales" y puede que también los más comunes, pero no los únicos, pudiendo variarse el orden, omitirse pasos o existir más pasos intermedios. Como he dicho, este sería el proceso habitual:
En este punto me gustaría decir que creo que cada artista, cada persona, pasa por un proceso diferente para crear una pintura. Los pasos que voy a expresar a continuación son los "oficiales" y puede que también los más comunes, pero no los únicos, pudiendo variarse el orden, omitirse pasos o existir más pasos intermedios. Como he dicho, este sería el proceso habitual:
- Elección de un tema o motivo: tomando como referente la realidad, nuestros sentimientos o una serie de formas abstractas propias de nuestra invención.
- La elección de los procedimientos y el soporte, que están condicionados por la elección que hemos hecho anteriormente del tema o motivo: óleo sobre tela, tabla o cartón, acuarela sobre papel, acrílicos sobre lienzo o tabla; gouache sobre papel; temple sobre lienzo o tabla; collage sobre lienzo, tabla o cartón...
- Realización de un boceto, que es un dibujo previo que sirve como forma de análisis y autoevaluación de lo que será la obra final. Esto nos permite ver si lo que se está haciendo es realmente lo que se quiere hacer, y si no es así modificarlo. Es una forma de replantearse el trabajo, y así darte la oportunidad de repensarlo.
Existen multitud de técnicas pictóricas, como pueden ser la pintura al óleo, la pintura con acrílicos, la pintura pastel, el graffiti, las acuarelas, los rotuladores, la pintura al temple, el jaspeado, las veladuras, la pintura de impasto, la técnica del frotado, la pintura con espátula, la técnica del esgrafiado, la absorción, el rascado...
Para pasar de la pintura a la escultura, me gustaría nombrar una obra, un proyecto, en el que se fusionan, para mi gusto, de una forma maravillosa.
Hablo del Bosque de Oma, también conocido como el Bosque Animado, situado cerca de Gernika. En este bosque el escultor y pintor Agustín Ibarrola pinta en los troncos de los árboles, principalmente pinos, figuras humanas , animales y geométricas, algunas de los cuales solo se hacen visibles desde posiciones determinadas, en las que las imagenes de distintos troncos forman una imagen conjunta.
Esta claro que es pintura, ya que pinta. Pero, ¿por qué no es también escultura? La escultura engloba todos aquellos trabajos en los que el volumen, el espacio y la materia juegan un papel decisivo.
En ella el artista se expresa creando volúmenes y conformando espacios. Y en esta obra yo creo que Ibarrola conforma un espacio, un espacio que interactua con la vida humana, y en el que cada persona que va puede verlo y vivirlo de forma distinta dependiendo de que perspectiva tome.
Hablo del Bosque de Oma, también conocido como el Bosque Animado, situado cerca de Gernika. En este bosque el escultor y pintor Agustín Ibarrola pinta en los troncos de los árboles, principalmente pinos, figuras humanas , animales y geométricas, algunas de los cuales solo se hacen visibles desde posiciones determinadas, en las que las imagenes de distintos troncos forman una imagen conjunta.
Esta claro que es pintura, ya que pinta. Pero, ¿por qué no es también escultura? La escultura engloba todos aquellos trabajos en los que el volumen, el espacio y la materia juegan un papel decisivo.
En ella el artista se expresa creando volúmenes y conformando espacios. Y en esta obra yo creo que Ibarrola conforma un espacio, un espacio que interactua con la vida humana, y en el que cada persona que va puede verlo y vivirlo de forma distinta dependiendo de que perspectiva tome.
Desde tiempos remotos el hombre ha sentido la necesidad de esculpir. Al principio lo hacía con los materiales más simples y los que tenía más a mano: piedra, arcilla, madera... Normalmente la escultura se ligaba únicamente a las técnicas que restan materia
La escultura incorpora los valores del material del que está hecha y esto necesariamente va a condicionar su resultado estético.
Los materiales pueden ser muy diversos: desde los más tradicionales como pueden ser el hierro, la madera, el marmol o el yeso, hasta materiales como plastilina, legos o incluso lo que a menudo consideraríamos basura. También se pueden crear esculturas a partir de objetos ya existentes, dándoles así un nuevo significado. Por ejemplo, en la imagen de la izquierda vemos una de las esculturas del artista Diego Musaldi, que utiliza árboles secos como material en la ciudad de Buenos Aires (Argentina) Fuente. En la imagen de la izquierda el artista ha hecho arte escultórico de un objeto cotidiano que en sí está bastante alejado de la idea de arte: un poste de luz
Los materiales pueden ser muy diversos: desde los más tradicionales como pueden ser el hierro, la madera, el marmol o el yeso, hasta materiales como plastilina, legos o incluso lo que a menudo consideraríamos basura. También se pueden crear esculturas a partir de objetos ya existentes, dándoles así un nuevo significado. Por ejemplo, en la imagen de la izquierda vemos una de las esculturas del artista Diego Musaldi, que utiliza árboles secos como material en la ciudad de Buenos Aires (Argentina) Fuente. En la imagen de la izquierda el artista ha hecho arte escultórico de un objeto cotidiano que en sí está bastante alejado de la idea de arte: un poste de luz
Técnicas escultóricas:
Las técnicas para realizar esculturas más utilizadas son:
Se hace evidente que las esculturas tienen relación con el espacio que les rodea. Esta relación puede ser muy distinta dependiendo de lo que el artista quiera conseguir.
Las esculturas pueden ocupar el espacio que los humanos ocupamos normalmente, convirtiéndose en el protagonista de ese espacio, pero sin interactuar con él. Esculturas de este estílo podemos ver muy a menudo en las calles de nuestra ciudad, como las siguientes esculturas que ocupan el Paseo Sarasate:
Las técnicas para realizar esculturas más utilizadas son:
- Talla: consiste en sacar partículas a un bloque del material utilizado. Para tallar actualmente, además de herramientas tradicionales como el cincel o el martillo, se utiliza el disco de diamante para la piedra.
- Modelado: consiste en dar la forma deseada a una pasta, añadiendo o sacando proporciones de la masa.
- Forja: consiste en dar forma a planchas o láminas de metal mediante técnicas de curvado, plegado o repujado. Las piezas de metal de una escultura se pueden unir mediante soldadura.
- Ensamblaje : consiste en unir piezas que ya exisisten para formar una nueva figura.
- Vaciado: consiste en obtener una forma en hueco o vacío para después rellenarla con un material fundido o una pasta.
Se hace evidente que las esculturas tienen relación con el espacio que les rodea. Esta relación puede ser muy distinta dependiendo de lo que el artista quiera conseguir.
Las esculturas pueden ocupar el espacio que los humanos ocupamos normalmente, convirtiéndose en el protagonista de ese espacio, pero sin interactuar con él. Esculturas de este estílo podemos ver muy a menudo en las calles de nuestra ciudad, como las siguientes esculturas que ocupan el Paseo Sarasate:
De hecho, existe una página web del Ayuntamiento de Pamplona que te permite hacer recorridos por esculturas urbanas de nuestra ciudad.
http://esculturas.pamplona.es/VerPagina.asp?idPag=1&idioma=1
Existe otro tipo de relación escultura- entorno, en el que el espacio que la escultura transforma el espacio que ocupa, de tal forma que interactua con la vida humana. En esta ocasión la relación de la estatua con el espacio y con el sujeto tiene unos lazos más fuertes.
En este punto, me gustaría nombrar un caso de escultura en la que fue creada para ser centro del espacio pero no interactuar con las personas, pero sin embargo se ha convertido en una escultura que realmente transforma el espacio, en el que las personas interactuaban con ella, consiguiendo, para mi gusto, hacer que la escultura tuviera más vida. Pero esta función no era la que estaba establecida oficialmente esta estatua, por lo que a base de multas y vayas han conseguido que sea una estatua que invade el espacio humano pero no lo comparte con él. Estoy hablando de la Estatua del Encierro:
En este punto, me gustaría nombrar un caso de escultura en la que fue creada para ser centro del espacio pero no interactuar con las personas, pero sin embargo se ha convertido en una escultura que realmente transforma el espacio, en el que las personas interactuaban con ella, consiguiendo, para mi gusto, hacer que la escultura tuviera más vida. Pero esta función no era la que estaba establecida oficialmente esta estatua, por lo que a base de multas y vayas han conseguido que sea una estatua que invade el espacio humano pero no lo comparte con él. Estoy hablando de la Estatua del Encierro:
Viendo esto me pregunto... ¿Qué es más importante? ¿La intención con la que un autor crea una obra o el significado que las personas que la viven le dan? ¿Qué debemos priorizar?
Ahora daré el salto de la escultura al mundo de doble filo en el que nos adentramos con la fotografía. Al pensar en ella siempre creemos que es una copia objetiva de la realidad. Pero, ¿de qué realidad?
Las fotografías muestran la parte de realidad que el fotógrafo quiere, por ello cabría preguntarse si partes sesgadas de la realidad muestran la realidad o ficcionan la realidad. Sonreimos y nos peinamos cuando alguien nos va a hacer una foto, queremos mostrar que somos felices. Se fotografían unas cosas para no fotografiar otras. No hay más que ojear un album de fotos familiar: vemos celebraciones, momentos especiales, risas y felicidad. Pero la vida de una familia no es solo eso. Es mucho más, eso solo es la parte que la familia ha querido y ha podido guardar como testimonio. En el Centro Contemporáneo de Huarte, se nos pidió que llevaramos una fotografía significativa para nosotros. La mayoría de las fotografías que llevamos todos eran felices momentos familiares, habitualmente todos mirando a la cámara, posando, y sonriendo.
Todos los tipos de arte muestran una representación de la realidad, pero la fotografía juega a no hacerlo. Por lo tanto yo la veo como una doble ficción: la ficción de lo que muestra, de esa parcela de realidad, y la ficción de hacer creer al espectador que lo que ve no es una representación de la realidad sino la realidad en sí.
En este sentido, me recuerda en cierto modo a las pseudociencias. Éstas son aquellas afirmaciones, creencias o prácticas que se presentan como científicas cuando en realidad carecen de plausabilidad y no se pueden demostrar de forma fiable. Es decir, son áreas que juegan a ser ciencias cuando no lo son. Juegan a ser verídicas y reales sin serlo, llegando de nuevo a esa doble mentira.
Pero como dice Joan Foncuberta,"no nos sintamos abrumados o apenados por el hecho de que, de repente, las fotografías pierdan ese poder, ese valor testimonial, esa autoridad, ese carisma que tenían”, "lo que importa es el sentido con que estas palabras han sido dichas o la intención con que las imágenes han sido hechas".
Creo que el hecho de que las imágenes fotográficas se vean como ficción les da un valor mayor, ya que invitan a áquel que trata con ellas a pensar más, a plantearse preguntas como ¿por qué se ha fotografiado esto? ¿por qué no se ha fotografiado esto otro? ¿quién es el fotógrafo? ¿qué hay detrás de la cámara?
En el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte nos pudimos adentrar un poco en el proceso de la fotografía del autor Paco Gómez. La gran investigación que realizó para esa obra, para esas fotografías me dejó asombrada y me hizo pensar en todo lo que hay detrás de lo que vemos, que muy a menudo pasamos por alto. Mucho de lo que atribuimos "ser así" o "casualidad" no es así en el mundo de las imágenes.
Las fotografías muestran la parte de realidad que el fotógrafo quiere, por ello cabría preguntarse si partes sesgadas de la realidad muestran la realidad o ficcionan la realidad. Sonreimos y nos peinamos cuando alguien nos va a hacer una foto, queremos mostrar que somos felices. Se fotografían unas cosas para no fotografiar otras. No hay más que ojear un album de fotos familiar: vemos celebraciones, momentos especiales, risas y felicidad. Pero la vida de una familia no es solo eso. Es mucho más, eso solo es la parte que la familia ha querido y ha podido guardar como testimonio. En el Centro Contemporáneo de Huarte, se nos pidió que llevaramos una fotografía significativa para nosotros. La mayoría de las fotografías que llevamos todos eran felices momentos familiares, habitualmente todos mirando a la cámara, posando, y sonriendo.
Todos los tipos de arte muestran una representación de la realidad, pero la fotografía juega a no hacerlo. Por lo tanto yo la veo como una doble ficción: la ficción de lo que muestra, de esa parcela de realidad, y la ficción de hacer creer al espectador que lo que ve no es una representación de la realidad sino la realidad en sí.
En este sentido, me recuerda en cierto modo a las pseudociencias. Éstas son aquellas afirmaciones, creencias o prácticas que se presentan como científicas cuando en realidad carecen de plausabilidad y no se pueden demostrar de forma fiable. Es decir, son áreas que juegan a ser ciencias cuando no lo son. Juegan a ser verídicas y reales sin serlo, llegando de nuevo a esa doble mentira.
Pero como dice Joan Foncuberta,"no nos sintamos abrumados o apenados por el hecho de que, de repente, las fotografías pierdan ese poder, ese valor testimonial, esa autoridad, ese carisma que tenían”, "lo que importa es el sentido con que estas palabras han sido dichas o la intención con que las imágenes han sido hechas".
Creo que el hecho de que las imágenes fotográficas se vean como ficción les da un valor mayor, ya que invitan a áquel que trata con ellas a pensar más, a plantearse preguntas como ¿por qué se ha fotografiado esto? ¿por qué no se ha fotografiado esto otro? ¿quién es el fotógrafo? ¿qué hay detrás de la cámara?
En el Centro de Arte Contemporáneo de Huarte nos pudimos adentrar un poco en el proceso de la fotografía del autor Paco Gómez. La gran investigación que realizó para esa obra, para esas fotografías me dejó asombrada y me hizo pensar en todo lo que hay detrás de lo que vemos, que muy a menudo pasamos por alto. Mucho de lo que atribuimos "ser así" o "casualidad" no es así en el mundo de las imágenes.
Ahora me voy a adentrar en el arte conceptual. El arte conceptual, como su nombre indica, se basa en la importancia del concepto o idea, con lo que la atención de la obra no tiene por qué ir dirigida explícitamente al objeto. El arte conceptual no tiene por qué ir ligado a ninguna técnica artística concreta, pero bien es cierto que determinados tipos de expresión artística están íntimamente ligados al arte conceptual, como la performance y el happening.
Las performance desde su origen son entendidas como una alternativa de expresión artística liberada de convenciones estéticas y espaciales.
Durante la intervención el cuerpo del artista se convierte en unidad autónoma que otorga valor al gesto, al movimiento y a la acción humana, durante un periodo limitado, siendo así arte efímero. Pero no se ha de confundir con el teatro, ya que el artista no está interpretando un personaje, ni tiene por qué seguir una trama con un guión estructurado que cuente una historia.
Desde que las performance nacieron, nos encontramos con varias que han despertado reacciones controvertidas y posicionamientos en su contra. He estado investigando sobre ello y a continuación voy a mostrar dos que me han llamado impactado especialmente:
“Eres lo que lees” Guillermo Vargas (2007)
Este artista pretendía rendir un homenaje a Natividad Canda, que murió tras el ataque de dos perros rottweiler. En su obra fusionó varios elementos, como el himno Sandinista al revés, una frase escrita con concentrado para perro y un perro atado que murió de hambre durante la muestra. Aunque las reacciones del público en general fueron de rechazo al acto, el artista sostuvo que lo importante era demostrar la hipocresía de la gente que valora al animal hambriento en este espacio, pero lo ignora a diario en las calles.
Otra performance que ha llamado mi atención especialmente es "La reencarnaciónde Santa Orlan", de la artista francesa Santa Orlan. En ella la artista se somete a una serie de operaciones estéticas que son transmitidas vía satélite en diferentes museos del mundo. Con el deseo de unificar en su cuerpo las características de siete mujeres ideales, elige la barbilla de la Diosa Venus de Botticelli, la frente de la Mona Lisa de Leonardo, la boca de Rape of Europa de Boucher, los ojos de Pysche Gerome y la nariz de una escultura de Diana, antigua Diosa romana. Su primera cirugía estuvo ambientada por música, poesía, crucifijos, frutas y flores previamente esterilizadas.
El happening es otra tendencia artística bastante reciente, que como ya he dicho, está muy ligada al arte conceptual. Lo característico de un happening es que el artista involucra al público, rompiendo así la barrera entre el espectador y la obra, ya que pasan a ser parte de la obra.
El hecho de que el público intervenga supone que la estructura del happening suele ser abierta, dejando lugar al azar y la improvisación.
Al igual que en la performance ya no se venera a un objeto, sino que el centro de la obra es la acción.
Pensando en el happening, a mi me surgen dudas respecto al papel del espectador. ¿En qué momento comienza a ser consciente de que está tomando parte en una obra? ¿En ese momento cambia su actitud? ¿Puede ser que acciones que no están concebidas como happenings se conviertan en ello?
Esta última pregunta me ha surgido tras una reciente experiencia personal. El 29 de abril, con motivo del Día Mundial de la Danza, acudí al teatro Gayarre con la intención de ver un espectáculo en el que varios jóvenes bailarines navarros iban a realizar una pequeña muestra. Comenzó con una introducción; pero el tiempo iba pasando y la introducción no terminaba... Llegó un punto, cuando llevabamos una hora de lo que iba a ser la "breve introducción", en el que la gente comenzó a levantarse de sus asientos. Fue entonces cuando me planteé que quizás estuvieramos formando parte de un happening, y nuestra reacción era parte de la acción del orador. A la hora y media finalmente paró, cuando la mitad de los espectadores ya se habían ido. Yo lo he pensado bastante, y realmente no sé si fui parte de una obra o un mero espectador más... Aunque, viéndolo desde otra perspectiva, sea como fuere, creo que el público siempre es una parte importante de las obras.
El hecho es que alrededor del concepto de happening me surgen muchas dudas. Es la ruptura de la barrera entre la obra y el público, pero, ¿y si las acciones del público están dirigidas? ¿deja entonces de ser happening? Estoy pensando concretamente en uno de los proyectos expuestos en clase: la obra Sentidotalia. En ella el público interactuaba con la obra, pero solamente determinado público, el público que las autoras eligieron. Además hacían lo que ellas decían que tenían que hacer. En este caso se pierde ese aspecto imprevisivo propio de los happenings, y el público que participa en la obra, en mi opinión, actúa más como objeto que como sujeto.
Ahora me adentraré en el mundo del VídeoArte. Un Videoarte es toda aquella que utiliza la tecnología vídeo de alguna manera y donde la creación audiovisual presenta una intencionalidad claramente artística; no tiene que emplear las convenciones del cine (actores, diálogos, narraciones...), por lo que no debe confundirse.
Personalmente creo que el Videoarte da grandes posiblidades de expresión, ya que en una misma obra puedes presentar todas las formas de expresión anteriores. Se le pueden añadir significados mediante los efectos del vídeo, la velocidad, el sonido... Cada día aumentan las posibilidades de programas y de técnicas.
Además, puede conseguir dejar constancia del arte efímero (por lo que podría dejar de llamarse efímero). A menudo se graban performances o happenings. De hecho, en nuestro trabajo de creación para esta asignatura utilizamos un vídeoarte, que se componía de la fusión de una performance y unas fotografías. Sino hubiera sido por el vídeo, no habríamos podido dejar constancia de alguna forma de esa performance. Además, el poder unirlo con las fotografías nos permitió darle un nuevo significado a la obra.
Otro vídeo-arte que me gustó especialmente de los que se expusieron en los trabajos de clase es la obra 4pr3nde. Este constaba de unas doscientas capturas fotográficas en las que se iba viendo como poco a poco la cara de una chica se llenaba de pintadas, de "conocimiento", hasta que ella se las comenzaba a borrar. El hecho de que fuera vídeo les permitió poner una música de fondo que le diera más intensidad y ritmo.